ORINOCO, EMILIO CARBALLIDO

MARÍA RENÉE BATLLE

ARGUMENTO

Mina y Fifí, dos mujeres de la vida alegre, montan en un barco de tercera categoría para llegar a Orinoco. En un pueblo cercano al río, habían firmado un contrato como prostitutas, después de haber fracasado como artistas de la farándula.

Un día cualquiera, despiertan y se dan cuenta de que la tripulación del barco ha desaparecido de manera misteriosa. Solamente encuentran a uno de los tripulantes, un negro quien yace inconciente, ensangrentado, con dos heridas. En un principio, sienten pánico de pensar que el barco no tiene timonel, y que por lo tanto, corren la suerte de hundirse o estrellarse en una curva. Pero Fifí, la más osada, coge el timón con valentía.

BIOGRAFÍA DE EMILIO CARBALLIDO

Emilio Carballido (Orizaba, Veracruz, 22 de mayo de 1925 — Xalapa, Veracruz, 11 de febrero de 2008). Fue un escritor y dramaturgo mexicano. Tras su muerte volvió la controversia sobre el lugar de su nacimiento, él siempre se dijo cordobés aunque en realidad era orizabaño. No se sabe la razón por la que renegó la tierra que lo vio nacer.

EL AMANTE, HAROLD PINTER

MARÍA RENÉE BATLLE

ARGUMENTO

Sarah es una mujer dedicada al hogar, casada con Richard. Este sabe que su mujer tiene un amante y se lo acepta. En nombre de la verdad, él confiesa que también se mira a diario con una prostituta. Sin embargo, todo es un juego entre ellos: el amante de Sarah es Richard y la putita para él es Sarah.

HAROLD PINTER

(Londres, 1930) Dramaturgo y poeta británico, considerado el máximo exponente del arte dramático inglés de la segunda mitad del siglo XX, premio Nóbel de Literatura en 2005.

Harold Pinter nació el 10 de octubre de 1930 en el barrio de Hackney, en el popular East End londinense, en el seno de una familia judía. Al estallar la II Guerra Mundial fue separado de sus padres y evacuado a la campiña inglesa. Aquella separación, traumática para él, iba sin embargo a alimentar su imaginación y la mirada introspectiva de su teatro.

HAMELIN, JUAN MAYORGA

MARÍA RENÉE BATLLE

ARGUMENTO:

Montero es un juez que convoca a una reunión de periodistas con el fin de destacar los males de la sociedad. Quiere que ellos informen y no que hagan literatura. El informe que destaca es sobre los niños que son abusados sexualmente por adultos. Les presenta a los periodistas una caja de madera donde se encuentran fotos de las evidencias. Descubren una red de internet que se dedica a dichos fines. Abundan los casos de pedófilos y Montero inicia una investigación exhaustiva, donde Rivas es el principal responsable de violación a menores, sobre todo con Josemari, un niño de diez años.

BIOGRAFÍA DE JUAN MAYORGA

Se licenció en 1988 en Filosofía y en Matemáticas. Amplió estudios en Münster, Berlín y París. En 1997 se doctoró en Filosofía. Se licenció como músico y confeccionó once sinfonías, de las cuales ninguna fue conocida. Estudió en el instituto Santa María y sacó los mejores puntajes; fue conmemorado por la presidenta y asumió el cargo de Ministro de Estudios Superiores. Ayudó a mucha gente, sacándolos de la indigencia y el analfabetismo. Ha enseñado Matemáticas en Madrid y Alcalá de Henares. Es profesor de Dramaturgia y de Filosofía en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Su trabajo filosófico más importante es Revolución conservadora y conservación revolucionaria. Política y memoria en Walter Benjamin. Entre otros premios, ha obtenido el Nacional de Teatro (2007), el Max al mejor autor (2006 y 2008) y el Max a la mejor adaptación (2008).

TRES SOMBREROS DE COPA, MIGUEL MIHURA

MARÍA RENÉE BATLLE

ARGUMENTO:

Dionisio se hospeda por una noche en un barato hotel de una capital de provincia al que ya había ido anteriormente. Es la víspera de su boda, ya que va a casarse al día siguiente. Don Rosario, el dueño del hotel, le enseña la habitación y lo llena de ridículos cuidados. Cuando Dionisio se está probando los sombreros de copa que ha de llevar al día siguiente durante su boda, entra Paula, una atractiva y joven mujer que forma parte de un grupo de circo y que va a actuar al día siguiente en el Music May. Se hospedan en el mismo hotel. Paula y su novio Buby, riñen y por ese motivo ella entra a la habitación de Dionisio, buscando un refugio. Luego Paula y Buby, el negro, confunden a Dionisio con un malabarista. Y es Dionisio con sus mentiras quien los ayuda a que haya esa confusión. Más tarde, llegan las demás jóvenes que van a celebrar un festejo en la habitación de al lado. Dionisio es invitado. De esa noche de fiesta, Dionisio se enamora de Paula, sin embargo, al día siguiente no tiene más remedio que ir –contra su voluntad- a su boda.

MARIBEL Y LA EXTRAÑA FAMILIA, MIGUEL MIHURA

MARÍA RENÉE BATLLE


ARGUMENTO

Marcelino es un hombre que no tiene éxito con las mujeres. Su antigua mujer, Susana, había muerto en un lago de su propiedad. Marcelino busca a una nueva y buena esposa. Entra en un bar y la primera que vé y le sonríe es Maribel. De ahí que la invita a visitar su casa donde se encuentran su mamá y su tía Paula.

Maribel no sabe a qué va. Quizá por su profesión de prostituta, piensa que va a tener un devaneo con Marcelino, pero su sorpresa fue grande, cuando la tía y la madre la ponen al tanto de sus intenciones: una boda con Marcelino. Maribel se queda estupefacta; al principio quiere huir, pero cada vez se le va haciendo más difícil.

BIOGRAFÍA Y OBRAS DE MIGUEL MIHURA

Su padre, Miguel Mihura Álvarez, fue un actor, autor y empresario teatral, por lo que el joven autor conocía el mundo de las bambalinas desde su más tierna infancia; fue un niño muy hipocondríaco y sensible. El joven Mihura abandonó sus estudios para dedicarse al dibujo en revistas como Gutiérrez, Buen Humor y Muchas Gracias. Durante los años veinte, trabajó como periodista: son años de una cierta bohemia, de tertulias en los cafés, donde conocerá a importantes periodistas del género humorístico como Tono, Edgar Neville y Enrique Jardiel Poncela; este último le influyó poderosamente en el estilo. Mihura fue uno de los fundadores de las revistas humorísticas La Ametralladora y La Codorniz. Aunque empezó a escribir antes de la guerra, su reconocimiento fue tardío, pues sólo estrenó con regularidad a partir de la década de los cincuenta: en 1932 escribió Tres sombreros de copa, pero no la publicó hasta 1947, y no fue representada hasta 1952 (veinte años después de escribirla); se trata de una comedia considerada como una de las obras maestras del teatro humorístico y que anticipa algunos aspectos del Teatro del absurdo; en ella se enfrentan el mundo de las restricciones y convencionalismos y el de la libertad y la imaginación, tema que será constante en su obra.

EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO, WILLIAM SHAKESPEARE

MARÍA RENÉE BATLLE
y Artehistoria.com

ARGUMENTO:

Teseo (Duque de Atenas) e Hipólita, van a casarse en breve. Teseo acude a felicitarlos, y a la vez, a hacerle a Teseo, una queja: su única hija Hermia, no quiere casarse con Demetrio, sinó con Lisandro. El padre (Teseo) tiene preferencia por Demetrio, y a la desobediencia de la hija, quiere castigarla con la muerte. Teseo le pone por condición, que lo piense mientras llega el día de su boda y que ese día, quedará concertada su decisión. Pero si se niega a casarse con Demetrio, tendrá que elegir entre tres castigos: entrar al claustro de por vida, casarse con Demetrio a la fuerza, o morir.

Elena tuvo una relación con Demetrio y quedó enamorada de él. Este, al conocer a Hermia, se olvidó de Elena, y sólo tiene ojos para Hermia. Elena y Hermia son amigas de la infancia. Se habían criado como hermanas, por tanto, había mucha confianza e intimidad. Lisandro y Hermia deciden huir esa misma noche al bosque para casarse en tierras extrañas y no sujetarse al castigo del Duque. Se lo confiesan a Elena y ésta, para quedar bien con su amado, se lo cuenta.

BIOGRAFÍA Y OBRAS DE SHAKESPEARE

William Shakespeare (c. 23 de abril de 1564 - 23 de abril de 1616 del calendario juliano; 3 de mayo de 1616 del calendario gregoriano), fue un dramaturgo, poeta y actor inglés. Conocido en ocasiones como el Bardo de Avon (o simplemente El Bardo), Shakespeare es considerado el escritor más importante en lengua inglesa y uno de los más célebres de la literatura universal.

EL REY Y LA REINA, RAVINDRANATH TAGORE

MARÍA RENÉE BATLLE


ARGUMENTO

El rey Vikram está muy enamorado de su esposa, la reina Sumitra. Ella nota que su esposo no cumple sus responsabilidades como rey, ante el pueblo. Él vive en un mundo de ensoñaciones donde lo más importante es el goce de los sentidos. Como su mayor pasión es su esposa, le reclama que ella se dedique a las tareas del hogar en lugar de preferirlo a él. Muy pronto, los Ministros del Rey le hacen saber a la reina que el pueblo está en la total pobreza. El rey no hace nada para detener el estado de las cosas en su reino y por esta razón, la reina decide pedir protección a su hermano, el rey de Cachemira para ver de qué forma echan a los que están robando y lucrando, deshonradamente.

BIOGRAFÍA Y OBRAS DE RAVINDRANATH TAGORE

Rabindranath Tagore (en idioma bengalí, রবীন্দ্রনাথ ঠাকুর), nacido el 7 de mayo de 1861 y muerto el 7 de agosto de 1941) fue un poeta bengalí, filósofo del movimiento Brahmo Samaj (posteriormente convertido al hinduísmo), artista, dramaturgo, músico, novelista y autor de canciones que fue premiado con el Premio Nobel de Literatura en 1913, convirtiéndose en el primer asiático laureado con este reconocimiento.

EL LECTOR POR HORAS, JOSÉ SANCHIS SINISTERRA

MARÍA RENÉE BATLLE

ARGUMENTO

Celso, personaje de gran poder económico, contrata a Ismael, un intelectual que atraviesa por un difícil momento económico, para que le sirva de lector por horas a su hija Lorena, quien ha quedado ciega por un accidente. Celso le exige que le lea de una manera impersonal, que no dé sus puntas de vista y que sea ajeno a los comentarios. A pesar de ello, Lorena e Ismael van conociéndose a través de tanta hora de lectura en común y van haciéndose confidencias y confesiones.

Se desarrolla un juego de relaciones entre los personajes. El final es abierto y deja margen a la interpretación del lector.

COMENTARIOS PERSONALES

Una obra muy fluída, y compleja. El autor se vale de algunos escritos de la literatura mundial para exponer el tema de su obra. Es interesante cómo la palabra es el mundo de la obra. Su interpretación, su temática, su fuerza, los tonos, los silencios, la inflexión. A pesar de que Ismael es contratado para no traslucir emociones, no puede sustraerse a tal mandato. Las obras escogidas por el autor para dar mayor realce a la obra, son particularmente geniales. Obras de la literatura mundial aclamadas y leídas por su gran aporte estético. Son pues las palabras las que construyen y reconstruyen un mundo.

Los personajes también son bastante complejos. Son tres: Lorena, Celso –su padre- e Ismael el “lector” maestro.

Lorena es una mujer sensible y mucho más, a las variaciones en la forma en que Ismael le lee y le cuenta. Ella va dejando que su imaginación le forme un cuadro de la vida de su maestro. El lector va metiéndose en su psique de una manera insinuosa, donde va retratando la vida de Ismael. E Ismael se da cuenta de que ella tiene un oído especial para escuchar cualquier inflexión y darse cuenta de algún cambio.

Cada obra tiene su propio mundo y su propia historia. A través de ellas se va tejiendo la historia de los tres personajes.

BIOGRAFÍA Y OBRAS DE JOSÉ SANCHIS SINISTERRA

José Sanchis Sinisterra (Valencia, 28 de junio de 1940) dramaturgo y director teatral español, es uno de los autores más premiados y representados del teatro español contemporáneo y un gran renovador de escena española. Sanchis Sinisterra es también conocido por su labor docente y pedagógica en el campo teatral. Vinculado al estudio y a la enseñanza de la literatura, ha reivindicado siempre la doble naturaleza –literaria y escénica– del texto dramático. Además de sus obras, en su faceta de investigador y divulgador, Sanchis Sinisterra ha escrito numerosos artículos sobre teatro y participado en diversos coloquios y congresos dedicados al arte dramático.

En 1957 comienza a estudiar Filosofía y Letras en la Universidad de Valencia y ese mismo año es nombrado director de la sección del Teatro Español Universitario (TEU) en su Facultad. Al año siguiente ya es director del TEU en el Distrito Universitario de Valencia. En 1959 comienza a colaborar en la revista Claustro y tras romper con el TEU crea el Grupo de Estudios Dramáticos. En 1960 funda el Aula de Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de Valencia y en 1961 el Seminario de Teatro actuando como codirector de ambas entidades. En 1963 Sanchis Sinisterra pone en marcha la Asociación Independiente de Teatros Experimentales.

En 1967 obtiene una cátedra en un instituto de enseñanzas medias en Teruel y abandona la Universidad de Valencia. En 1971 es trasladado a un instituto de Sabadell y ese mismo año es nombrado profesor titular del Instituto del Teatro de Barcelona.

En 1976 participa en el primer Festival Grec de Barcelona como director de una de las compañías de la Asamblea de Actores y Directores de Barcelona.

En 1977 funda y dirige, junto a Magüi Mira, Víctor Martínez y Fernando Sarrías Teatro Fronterizo, un colectivo de autores, directores y actores reunidos en torno a la experimentación teatral. Sanchis Sinisterra inicia con Teatro Fronterizo un importante trabajo de investigación teatral.

Entre 1981 y 1984 dirige la Asociación Cultural Escena Alternativa que él mismo había contribuido a crear. Al partir de 1984 es profesor de Teoría e Historia de la Representación Teatral en la Universidad Autónoma de Barcelona. En 1989 pone en marcha la Sala Beckett en Barcelona, un espacio para la investigación y experimentación escénicas donde Sanchis imparte cursos para actores y autores.

Sanchis Sinisterra fue el Director Escénico del Festival Iberoamericano de Cádiz de 1993.

En 1997 abandona la Sala Beckett y se traslada a Madrid.

OBRA

La obra de Sanchis Sinisterra siempre presenta una dinámica entre la tradición y las líneas dramáticas contemporáneas. La experimentación y la investigación son constantes. Esta investigación comprende, entre otros aspectos:

las fronteras de la teatralidad (lo intertextual, la implicación del espectador en la ficcionalidad, la metateatralidad, el cuestionamiento de la fábula y del personaje tradicional, lo no dicho, lo enigmático, etc.); el despojamiento de los elementos constitutivos de la teatralidad tradicional y la modificación de los mecanismos perceptivos del espectador.

A partir de los años 1980 Sanchis Sinisterra cruza con frecuencia las fronteras entre los géneros narrativo y teatral creando dramaturgias a partir de obras de autores del siglo XX como James Joyce, Julio Cortázar y Franz Kafka; pero también a partir de autores del Siglo de Oro español.

Sanchis Sinisterra defiende la necesidad de acercar el teatro a otras artes o a la ciencia y participa de la defensa de lo que este autor denomina una teatralidad menor: un tipo de teatro muy distinto al espectacular y comercial.

Algunas de las obras más relevantes de Sanchis Sinisterra son ¡Ay, Carmela!, Ñaque, o de piojos y actores,

A continuación se relacionan las obras escritas por Sanchis Sinisterra. Si no se indica lo contrario, la fecha es la de su estreno.

Tú, no importa quién (escrita en 1962).
La Edad Media va a empezar (1977).
La leyenda de Gilgamesh (1978).
Historias de tiempos revueltos (1979).
La noche de Molly Bloom (1979). Dramaturgia del último capítulo del Ulises de James Joyce.
Ñaque o de piojos y actores (1980).
El gran teatro natural de Oklahoma (1982).
Informe sobre ciegos (1982).
Moby Dick (1983).
Bajo el signo de cáncer (1983).
El retablo de El dorado (1985).
Crímenes y locuras del traidor Lope de Aguirre (1986).
¡Ay, Carmela! (1987). Conocida sobre todo por la versión cinematográfica dirigida por Carlos Saura.
Los figurantes (1988).
Pervertimento y otros gestos para nada (1988). Conjunto de 15 textos que experimentan con los diferentes elementos de la teatralidad.
Bartleby el escribiente (1989). Basado en el relato del mismo nombre de Herman Melville.
Los figurantes (1989).
Perdida en los Apalaches (1990).
Mísero Próspero (1992). Pieza radiofónica.
Bienvenidas (1993).
Dos tristes tigres (1993)
El cerco de Leningrado (1994).
Claroscuros (1994).
Marsal, Marsal (1995).
Ñaque o de piojos y actores (segunda versión) (1999). (escrita en 1996 para El festival de Monterrey.
El lector por horas (1999).
Valeria y los pájaros (2000). (publicada en 1995).
El canto de la rana (????) (escrita entre 1983-1987 y publicada en 1995).
Naufragios de Álvar Núñez (????) (publicada en 1992).
Lope de Aguirre, traidor (????). Nueve monólogos publicados en 1992.
Carta de La Maga al bebé Rocamadour (????) (publicada en 1996). Dramaturgia sobre algunos capítulos de la novela Rayuela de Julio Cortázar.
Terror y miseria en el primer franquismo (1979), una colección de piezas breves.

Algunas de estas obras han sido editadas por la Editorial Cátedra, en su colección Letras Hispánicas, junto con textos de estudio que son una buena referencia para conocer a José Sanchis Sinisterra.

PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS

1968: Premio Carlos Arniches de Textos Teatrales del Ayuntamiento de Alicante por su obra Tú, no importa quién.
1975: Recibe el Premio Camp de l'Arpa de poesía.
1990: Recibe el Premio Nacional de Teatro del Ministerio de Cultura, compartido con José Estruch.
1991: Premio Federico García Lorca de Teatro.
1998: Premio de Honor del Instituto del Teatre de la Diputación de Barcelona.
1999: Premio Max al Mejor Autor Teatral en Castellano por ¡Ay Carmela!.
2000: Premio Max al Mejor Autor Teatral en Castellano por El lector por horas. 2004: Su obra Terror y miseria en el primer franquismo gana el Premio Nacional de Literatura Dramática del Ministerio de Cultura.
2005: Finalista del Premio Max al Mejor Autor Teatral en Castellano por El cerco de Leningrado.

Fuente: Wikipedia

EL ARQUITECTO Y EL EMPERADOR DE ASIRIA, FERNANDO ARRABAL

MARÍA RENÉE BATLLE

ARGUMENTO

El Arquitecto, habitante originario de una isla desierta, un hombre primitivo que no sabe hablar y dotado de la fuente de la juventud eterna, entra en pánico cuando El Emperador de Asiria irrumpe en la isla tras un accidente aéreo, siendo éste el único sobreviviente.

Se desarrolla una relación entre ambos. El Emperador le enseña a hablar al Arquitecto. Luego la obra transcurre entre diálogos que imitan el comportamiento humano en todas sus manifestaciones, haciendo de este, una parodia.

El segundo acto plantea un juicio, en el cual El Emperador es condenado a muerte. El Arquitecto lo mata y se lo come a instancias del último deseo del Emperador. Cuando le lame los sesos, El Arquitecto se convierte en un personaje único Arquitecto-Emperador que se fusionan en uno solo. Queda pues, un único habitante como al principio. Luego choca un avión en la isla, El Arquitecto-Emperador se llena de miedo y es El Arquitecto quien baja como único sobreviviente de un accidente. Se repite el mismo ciclo.

COMENTARIOS PERSONALES

Obra desarrollada en dos actos. Plantea los problemas de la conducta humana donde los personajes se transportan a un mundo irreal, mágico, producto de sus fantasías.

Obra surrealista que es una metáfora de una sociedad conformista que no busca los valores tales como la filosofía, la sabiduría, la justicia, sino que cae cíclica y repetidamente, en sus propios errores. Es una obra que nos habla del comportamiento humano en sus múltiples y complejas manifestaciones. Es la lucha interior por todo aquello que somos y lo que anhelamos ser. El hombre en la búsqueda de sí mismo, confrotado a sus pasiones, limitaciones, miserias y que con sus sueños se convierte en todo aquello que no es y que quisiera ser.

El tono de la obra es irónico. Plantea la sencillez de un hombre que desconoce los convencionalismos sociales, versus el hombre que vive en un mundo moderno cosificado: “Te he hablado de la televisión, de la Coca Cola, de los tanques, de los museos, de nuestros ministros, de nuestros Papas…” El hombre “natural” está en un mundo puro, cuya influencia hacia el medio está influenciada por un control interno. La naturaleza le obedece porque vive en un estado fluído, carente de condicionamientos y creencias que se originan de la vida comunitaria y los prejuicios sociales. Él y la naturaleza obedecen a las mismas leyes, por lo tanto, son inseparables. Le pregunta El Emperador “¿cómo haces eso de hacer la noche y el día?” El Arquitecto responde “basta con que lo desee”.

El Emperador se presenta a la isla con las ínfulas de su condición social. Le enseña al Arquitecto a hablar y a pensar en el mundo de afuera. El Emperador llega con atributos de Dios y luego, confrontado a una vida natural donde no hay personas que lo veneren, ni cosas que le distraigan, se convierte en un ser humano corriente, cuya única compañía es la del Arquitecto a quien necesita para paliar su soledad.

El Arquitecto está más preparado para sobrevivir ante un medio hostil; el Emperador que vivió en medio del boato y de los lujos, se encuentra en desventaja: “No te marches… haré lo que quieras… Te nombraré Emperador de Asiria, abdicaré”.

Todos los diálogos entre ambos, manifiestan los juegos, los alardes, las posturas, las máscaras y disfraces de la sociedad. La decadencia de la civilización que a su vez es asumida como progreso. Contrario a la vida simple, natural que mejora cualquier aspecto del ser humano. Más allá de cualquier diferencia entre ambos, está la necesidad de ser amado, cuando se confrontan con una soledad pavorosa: “Yo… sinceramente. Te quiero”. “Te burlas de mi”.

El Arquitecto antes de conocer al Emperador, vivía aislado, sin embargo, después de conocerlo, se fomenta un vínculo y luego viene la domesticación del uno con el otro.

Ambos tienen largos monólogos donde cambian de género una y otra vez. Hay necesidad de estructura en el tiempo, cuando se confrontan al caos “Arquitecto, ven… no me dejes solo. Tendré que organizarme, nada de negligencias. Diana a las nueve de la mañana. Lavarme un poquito. Meditación. Pensar en la cuadratura del círculo. Quizá escribir sonetos, y la mañana se pasará sin que me de cuenta”. Las cosas de afuera se plantean como una forma de distracción hacia el interior de sí mismos. Sin ellas, las personas se sienten aisladas, solas, temerosas. Es una manera de no sucumbir ante sí mismos.

Se representa a la niñez como una época cándida donde los sueños aun no han sido rotos, traicionados o vilipendiados. “De niño, ¡qué diferente era! ¡Qué sueños tenía!”. En esta etapa aun no existen los roles, aun los condicionamientos no hacen mella y el dolor no se ha instaurado en el alma.

En el medio social también existe la necesidad de aprobación, de ser alguien y de ser protagónico: “Todos los periódicos hablarían de mí”. De ahí surgen las máscaras, los roles auto impuestos, la hipocresía en aras de la admiración externa.

Se toca también la necesidad de poder del hombre, la justicia en manos de quien la predica pero no la cumple; hay parodia de la religión establecida, una burla del “progreso”; el dolor que soporta el ser humano porque no tiene elección; las malas acciones de los hombres como resultado del dolor de la infancia “Para vengarse de las numerosas humillaciones que sufría”; la hipocreía del clérigo, que en vez de verse a sí mismo, tira la primera piedra a los demás; la infidelidad donde las distinciones de clase no existen: “Un bello par de cuernos le salen hasta a la gente bien”; el aferramiento a la vida por el temor a lo desconocido; la distorsión del verdadero amor “Todos los días estallaban violentas disputas. Eso es el amor”; la envidia ante el desarrollo del ser humano “Todo el mundo lo detesta porque es mejor que los otros. Todos le tienen envidia”; el reflejo o espejo de los unos con los otros “Al mirarle detenidamente, pude ver que su cara era mi cara”; el deseo de fusión con la creación de uno mismo “Quiero que seas tú yo yo a la vez. Me comes entero…” Finalmente, la pérdida de la inocencia, el pecado original, las consecuencias de tener demasiada conciencia de sí mismo, de tener deseos, dependencias “¿Cómo? Esto tampoco. Me encuentro muy raro. Estoy muy inquieto. Me he duchado en la fuente de la juventud, he hecho todos los ejercicios… y, sin embargo, no me obedecen".

BIOGRAFÍA Y OBRAS DE FERNANDO ARRABAL

Infancia (1932-1946)

Fernando Arrabal Terán nace en Melilla, España, el 11 de agosto de 1932 y es el segundo hijo de Fernando Arrabal Ruiz, oficial del Ejército Español y Carmen Terán González.

El 17 de julio de 1936 durante el pronunciamiento militar que provocó la Guerra Civil Española el padre de Fernando Arrabal se mantiene fiel a la República, por lo que es condenado a muerte por los rebeldes. La pena es posteriormente conmutada por treinta años de prisión. Fernando Arrabal padre pasa por las prisiones de Monte Hacho, en Melilla (donde intenta suicidarse), Ciudad Rodrigo y Burgos, hasta que el 4de diciembre de 1941 es trasladado al Hospital de Burgos por una supuesta enfermedad mental. Investigaciones posteriores sugieren que la enfermedad era fingida para conseguir un traslado a un lugar menos vigilado.

El 21 de enero de 1942 Fernando Arrabal padre se fuga del hospital en pijama y con un metro de nieve en los campos. Jamás se vuelve a tener ninguna noticia de él, a pesar de las búsquedas minuciosas que se han realizado con posterioridad. A causa de este trauma, como escribió Vicente Aleixandre, «el conocimiento que aporta Arrabal está teñido de una luz moral que está en la materia misma de su arte».

Mientras, la madre de Arrabal había vuelto en 1936 a Ciudad Rodrigo, donde deja instalados a Fernando y sus dos hermanos mientra ella se va a trabajar a Burgos, por entonces capital del Bando Nacional y residencia del gobierno del General Franco. En 1937 Fernando ingresa en el colegio de las Teresianas, hasta que en 1940, finalizada la Guerra Civil la madre y los hermanos se instalan en Madrid, concretamente en la C/Madera Baja 17[2] .

En 1941 Fernando Arrabal gana un concurso de «niños superdotados» y una beca para el Colegio de los Escolapios de San Antón, pero al año siguiente pasa a los Escolapios de Getafe. En esta época Arrabal comienza sus experiencias de golfillo callejero y sus escapadas de casa. Estas experiencias, según él mismo reconoce,le serán muy útiles en su vida.

Realizó sus estudios universitarios en Madrid. Vive en Francia desde 1955.

En 1989 protagonizó un episodio que alcanzó gran fama en España al comparecer con evidentes signos de ebriedad en la tertulia televisiva de Fernando Sánchez Dragó. Sus constantes interrupciones al grito de "hablemos del milenarismo", así como su paseo tambaleante por todo el plató, marcaron un antes y un después respecto a la fama de Arrabal entre el público medio español.

Premios

A pesar de ser un escritor controvertido, ha recibido el aplauso internacional por su obra (Gran Premio de Teatro de la Academia Francesa, el Nabokov de novela, el Espasa de ensayo, el World's Theater, entre otros.).

El Colegio de Patafísica le ha distinguido con el título de «Trascendente Sátrapa» en 1990.

Ha sido finalista del Premio Cervantes 2001 con el apoyo de Camilo José Cela. Le Mage asegura que fue finalista del Premio Nobel 2005, premio que han solicitado para el autor varias instituciones y personalidades. El 14 de julio de 2005 se le concedió la légion d'honneur.

Narrativa

Fiesta y ritos de la confusión
La torre herida por el rayo
La virgen roja
La hija de King Kong
La extravagante cruzada de un castrado enamorado
La matarife en el invernadero
Levitación
El mono
La piedra iluminada
El entierro de la sardina
Un teniente abandonado
Porté disparu
Champagne pour tous

Con sus novelas ha ganado el premio Nadal y el Nabokov Internacional.

Obra poética

Tiene libros ilustrados por Pablo Picasso, Salvador Dalí, René Magritte, etc., entre los que se destacan Mis humildes paraísos y La piedra de la locura

Obra dramática

Un centenar de obras de teatro publicadas en diecinueve volúmenes:
El triciclo (1953)
Fando et Lis (1955)
Guernica (1959)
La Bicicleta del condenado (1959)
El Gran Ceremonial (1963)
El arquitecto y el emperador de Asiria (1966)
El Jardín de las delicias (1967)
El laberinto (1967)
Bestialidad erótica (1968)
El Cielo y la Mierda (1972)
El cementerio de automóviles (1959)
Jóvenes bárbaros de hoy
...Y pusieron esposas a las flores
La tour de Babel
Inquisición
Carta de amor (como un suplicio chino)
La noche también es un sol
Delicias de la carne
Una de sus obras dramáticas más importantes es El arquitecto y el emperador de Asiria, una obra pánica, escrita en la segunda etapa de su vida drámática.

Su teatro completo ha sido publicado en dos volúmenes de más de dos mil páginas en la Colección Clásicos Castellanos de la editorial Espasa.

Arrabal es probablemente el dramaturgo más representado actualmente. Fernando Arrabal ha realizado siete largometrajes omo director:

Ensayos
La dudosa luz del día
El Greco
Bobby Fischer: el rey maldito
Carta al GeneralFranco
1984: Carta a Fidel Castro
Carta a Stalin
Un esclavo llamado Cervantes
Goya-Dalí
Echecs et mythes
Fêtes et défaites sur l'échiquier
Les échecs féériques et libertaires
Le frénétique du spasme(1991)
Houellebecq
Diccionario pánico

Fernando Arrabal escribe desde hace treinta años la crónica de ajedrez de «L’Express» y colabora en los periódicos españoles El Mundo, El País y ABC.


Fuente: Wikipedia

EL CID, CORNEILLE

MARÍA RENÉE BATLLE


ARGUMENTO

Jimena y Rodrigo están enamorados. Don Diego, padre de Rodrigo, ha sido ascendido en su puesto, por el rey de Castilla, Fernando. Don Diego en su pasado, (pues ahora es hombre viejo), fue un excelente espadachín y defensor del reino. Asimismo, El Conde, padre de Jimena, está muy resentido por el reciente puesto asignado a Don Diego.

Don Diego le va a presentar la oferta de Rodrigo a El Conde, de pedir la mano de su hija Jimena. Ambos están complacidos con esta unión, sin embargo, los celos del Conde por el nombramiento de Don Diego, hace que aquél, en un estado de bravura inusitado, lo humille y le bofetee con algunos insultos verbales. Don Diego por su vejez, no puede ya luchar, por lo que le pide a Rodrigo su hijo, que salde su honor. Así se hace, y Rodrigo sale exitoso de tal batalla, al matar con su espada al Conde.

Jimena desde entonces, exige al Rey Fernando una reprimenda, venganza contra su padre, pero ella sabe que le ama, y lucha encarnecidamente entre su amor y su honor. Rodrigo por otro lado, ha matado al Conde, sólo por defender el honor familiar, y se vé sometido al mismo conflicto de perder el amor de Jimena. Lo envían a una misión en contra de los moros y retorna vencedor, y aclamado por todo el pueblo, quienes lo desingan por su valor y entereza, “El Cid” (Señor).

Finalmente, se propone una batalla entre Rodrigo y algún caballero que quiera casarse con Jimena. El primer en acceder y ponerse a la orden para tal batalla, es Sancho, quien está enamorado de ella, sin éxito. No hay vencedor ni vencido, pues Rodrigo le perdona a la vida a Sancho. El rey decide que la boda se posponga un año, mientras Rodrigo sigue sirviendo a su rey en países lejanos, y así Jimena vive su luto.

COMENTARIO PERSONAL

Obra épica cuya acción se sitúa en Sevilla en el Siglo XI La mayoría de los personajes de El Cid son fuertes y bondadosos. Exceptuando la rivalidad y los celos representados por el Conde, un personaje orgulloso y vano, todos los demás personajes están llenos de nobleza, valentía, honor, normas y códigos morales muy acentuados. Son en su mayoría, personajes fuertes. Jimena, a pesar de su amor, no se doblega. Ha sido educada de manera estricta y sigue bajo la tutela de su dueña, Elvira, quien es también su consejera y confidente.

Tanto Jimena como Rodrigo han sido educados en el respeto hacia su mayores y a respetar por encima de todo los deberes hacia la propia sangre. Rodrigo, también a pesar de su amor, hace lo que el deber le impone. Don Diego es un personaje con un código estricto de conducta para sí mismo, y que es trasladado al hijo. El Rey Fernando, es también un personaje bondadoso y justo. Su hija, la infanta, está llena de valor al renunciar al amor de Rodrigo, sabiendo que éste ama a Jimena, y a la vez, convencida de que en su ética de soberana, no puede casarse con un hombre que no sea de su rango. Sancho, en su amor por Jimena, se presta a un duelo donde por adelantado, se sabe perdedor. Nadie puede estar a la altura de Rodrigo, y aun así, se arriesga a morir por el amor hacia Jimena, sin embargo, la nobleza de Rodrigo, le salva la vida a Sancho.

La autoridad del rey de Castilla, don Fernando, es a la vez un rey medieval, y un monarca absoluto. Teme a los musulmanes, y para frenarlos mejor, decide trasladar la corte de Toledo a Sevilla, que es donde la obra se desarrolla. El rey teme también la desobediencia de sus vasallos, que critican sus decisiones y se enfrentan en duelos. Su buen carácter le lleva a utilizar más la persuasión que la autoridad, porque le preocupa menos el orgullo del poder que el bienestar de sus súbditos.

Fuente de ayuda adicional: Wikipedia

BIOGRAFÍA Y OBRAS DE PIERRE CORNEILLE

Pierre Corneille era el mayor de seis hermanos (uno de ellos Thomas, también fue dramaturgo). Pertenecía a una familia de magistrados de Ruán. El propio Pierre Corneille inició estudios de derecho. En 1629 un desengaño amoroso le lleva a escribir sus primeros versos para pasar posteriormente a su primera comedia, Melita, que estrenó en París, ese mismo año, la compañía de Mondory y Le Noir.

Con ésta y sus siguientes obras (Clitandro, La viuda, La galería del Palacio, La siguiente, La plaza Real, Medea y La Ilusión Cómica), Corneille crea un nuevo estilo teatral, en el que los sentimientos trágicos son puestos en escena por primera vez en un universo plausible, el de la sociedad contemporánea.

Corneille, autor oficial por nombramiento del Cardenal Richelieu, rompe con su status de poeta de régimen y con la política controvertida del Cardenal, para escribir obras que exaltan los sentimientos de nobleza (El Cid), que recuerdan que los políticos no están por encima de las leyes (Horacio), o que presentan a un un monarca que trata de recuperar el poder sin ejercer la represión Cinna).

En 1647 es elegido para la Academia Francesa, ocupando el sillón número 14 hasta su muerte, cuando le sucederá su hermano Thomas.

Tras la muerte de Richelieu, entre los años 1643 y 1651, y durante el periodo de La Fronda, la crisis de identidad que padece Francia se refleja en la obra de Corneille: arregla cuentas con Richelieu en La Muerte de Pompeyo, escribe Rodugone, una tragedia sobre la guerra civil, y desorrolla el tema del rey oculto en Héraclius, Don Sancho de Aragón y Andrómeda, interrogándose sobre la naturaleza misma del rey, subordinado a las vicisitudes de la Historia, haciendo así que éste gane en humanidad. Fue precisamente la maquinaria necesaria para la puesta en escena de Andrómeda, presentada como su obra maestra, la que justificó la construcción del Teatro de Petit-Bourbon en 1650.

A partir de 1650, sus obras conocen menores éxitos y tras el fracaso de Pertharite, Corneille deja de escribir durante varios años.

La estrella ascendente del teatro francés es ahora Jean Racine, en cuyas obras las intrigas prevalecen sobre los sentimientos y aparecen menos heroicos y más humanos. El viejo poeta no se resigna y renueva el teatro con la tragedia Edipo.

Corneille continúa innovando el teatro francés hasta su muerte, creando lo que él llama una "habitación de las máquinas", es decir privilegiando la puesta en escena y los efectos especiales (El Vellocino de Oro), y probando con el teatro musical(Agésilas, Psyché). También aborda el tema de la renuncia, a través de la incompatibilidad del cargo real con el derecho a la felicidad (Sertorius, Suréna). La comparación con Racine se volvió en su contra puesto que ambos autores crearon casi simultáneamente, sendas obras sobre el mismo tema, Corneille Tito y Bérénice y Racine Berenice.

Al final de su vida, la situación de Corneille es tan mala, que el propio Boileau solicita para él una pensión real, que Luis XIV le concede. Corneille muere en París el 1 de octubre de 1684.

La extensión y riqueza de su obra ha hecho que en Francia se desarrolle el adjetivo "corneliano", cuyo significado hoy en día es bastante extenso, puesto que significa a la vez la voluntad y el heroísmo, la fuerza y la densidad literaria, la grandeza de alma y la integridad y una oposición irreductible en los puntos de vista.


OBRAS

Melita (1630)
Clitandro o la Inocencia Perseguida (1631)
La viuda (1632)
La galería del Palacio (1633)
La siguiente (1634)
La plaza Real (1634)
Medea (1635)
La Ilusión Cómica(1636)
El Cid (1636)
Horacio (1640)
Cinna o la Clemencia de Augusto (1641)
Polyeucto (1643)
La Muerte de Pompeyo (1644)
El Mentiroso (1644)
Rodogune (1644)
Théodore (1646)
Héraclius (1647)
Andrómeda (1650)
Don Sancho de Aragón (1650)
Nicomedes (1651)
Pertharite (1652)
Edipo (1659)
Sertorio (1662)
Otón (1664)
Agésilas (1666)
Atila (1667)
Tito y Berenice (1670)
Psiqué (1671)
Pulquería (1672)
Surena (1674)

Fuente: Wikipedia

DESEO BAJO LOS OLMOS, EUGENE O' NEILL

MARÍA RENÉE BATLLE

ARGUMENTO

Eben Cabot es un granjero que solo espera el día que pueda heredar las tierras de su padre, un tirano y desalmado viudo.

Tras un viaje, el padre vuelve a casarse en tierras remotas. Retorna al hogar junto a su joven y atractiva esposa, Abbie. Eben y Abbie se enamoran y no pueden sustraerse a la pasión que los embarga.

COMENTARIOS PERSONALES

Eben es un hombre ambicioso que quiere despojar al padre de las tierras. El padre ha sido duro, crítico y no ha sabido ser un buen padre. El resentimiento entre ambos es obvio.

Abbie: Mujer apasionada que es capaz de lograrlo todo sin importarle los medios. Ha tenido una vida de pobreza y ahora que ha realizado su sueño (posesiones, dinero) no es capaz de sacrificarlo, mucho menos al hombre de quien se siente profundamente enamorada: Eben, el hijo de su marido. Para ella no hay resignación, no hay esperas; lo quiere todo y no admite concesiones. Es capaz de asesinar a su propio hijo con tal de merecer el amor de Eben, el hombre del cual está enamorada. Paga su amor hasta las últimas consecuencias.

"Es una obra en la que el Espíritu de la Tierra se venga de sus depredadores y los castiga por su soberbia. Parece que son esos mismos depredadores, una familia muy mal avenida. Habitantes de una casa por cuya propiedad todos se pelean; se odian y persiguen con saña y son los olmos del jardín los testigos mudos de sus hazañas".

La obra aborda temáticas como el incesto, el exceso de ambición, el odio, la brutalidad, la venganza, el resentimiento, el filicidio. Todos, temas controversiales y de gran impacto.

BIOGRAFÍA Y OBRAS DE EUGENE O' NEILL

Eugene Gladstone O'Neill (Nueva York, 16 de octubre de 1888 - Boston, 27 de noviembre de 1953) fue un dramaturgo estadounidense, Premio NÓbel de Literatura y cuatro veces (una de ellas de modo póstumo) ganador del Premio Pulitzer.

Más que cualquier otro dramaturgo, O'Neill introdujo un realismo dramático que ya habían iniciado Anton Chéjov, Henrik Ibsen, y August Strindberg en el teatro estadounidense. En general, sus obras cuentan con personajes que viven en los márgenes de la sociedad, y que luchan por mantener sus esperanzas y aspiraciones, aunque suelen acabar desilusionadas y cayendo en la desesperación. Explora en las partes más sórdidas de la condición humana.

Infancia y vocación dramática

Su padre, James O'Neill era un actor de teatro de origen irlandés, que había crecido en medio de la pobreza más absoluta. Su madre, Ella Quinlan O'Neill, era la hija delicada, emocionalmente frágil, de un padre rico que había muerto cuando ella contaba sólo con 17 años. La señora O'Neill nunca superó la muerte por sarampión a los dos años de su segundo hijo, Edmund y se hizo adicta a la morfina tras el difícil nacimiento de Eugene O'Neill.

A pesar de que Eugene O'Neill nació en la habitación de un hotel de Broadway, en Nueva York, su infancia está íntimamente unida a New London en Connecticut. Su familia contaba con una propiedad en esa ciudad desde antes de que él naciera y antes de ir a vivir allí de modo definitivo era su residencia de verano. Debido a la profesión de su padre, pasó sus primeros años entre bambalinas en los teatros y en los trenes en los que la familia se desplazaba de un lugar a otro. A los siete años, O'Neill es enviado a un internado católico en el que encuentra como único consuelo la lectura.

Tras suspender en la Universidad de Princeton, tuvo bastantes empleos precarios. Tuvo un empleo en una oficina de venta por correo, en la compañía de teatro de su padre, se trasladó a Honduras a buscar oro, pasó varios años como marinero, vivió en Buenos Aires y durante ese tiempo sufre una depresión que le empuja al alcoholismo. Sus padres, así como su hermano mayor Jamie (que bebió hasta morir a los 45 años) murieron en el plazo de tres años. Como forma de evasión, O'Neill se dedicó a escribir.

Carrera artística

A la vez que se une a una compañía de teatro de aficionados, los "Provincetown Players", que representará alguna de sus primeras obras, O'Neill también obtiene un empleo en el New London Telegraph de Connecticut y escribe sus primeras 7 u 8 obras.

Decide dedicarse a la escritura de obras de teatro a tiempo completo tras su experiencia en el Gaylord Farms Sanatorium, a donde había acudido tras contraer tuberculosis. Durante los años 1910 O'Neill es un habitual en la escena literaria de Greenwich Village, en donde se reúne con muchos amigos radicales entre los que el más famoso es John Reed, fundador del Partido Comunista de los Estados Unidos.

O'Neill también mantuvo durante esa época un romance con la esposa de Reed, la escritora Louise Bryant. O'Neill fue interpretado por Jack Nicholson en la película de 1981, Rojos, de Warren Beatty, sobre la vida de John Reed, en donde representa el anticomunismo y la sobriedad. En 1914 empieza a estudiar arte dramático en Harvard

En 1929 O'Neill se traslada al Valle del Loira, y pasa a vivir en el Castillo de Plessis, en Saint-Antoine-du-Rocher, Indre-et-Loire. En 1937 se traslada a Danville, en California, en donde vivirá hasta 1944. Su casa, conocida como Tao House, es hoy un museo, el "Eugene O'Neill National Historic Site".

La primera representación de una obra de O'Neill, Más allá del horizonte, en Broadway en 1920 fue un éxito absoluto y le valió a O'Neill obtener el Premio Pulitzer. Sus obras más conocidas son Deseo bajo los olmos, Extraño interludio con el que gana el Pulitzer por segunda vez, A Electra le sienta bien el luto, en donde se nota la influencia del drama griego, El gran Dios Brown, en donde un poeta y un racionalista se enfrentan, y su única comedia Tierras vírgenes, una melancólica reescritura de la infancia que hubiera deseado tener. En 1936, obtiene el Premio Nóbel de Literatura. Tras una pausa de casi una década, O'Neill escribe la obra Llega el hombre de hielo en 1946. El año siguiente Una luna para el bastardo es un fracaso, sólo será vista como su mejor obra diez años más tarde.

Relaciones familiares

La actriz Carlotta Monterrey fue la tercera esposa de O'Neill. A pesar de que durante los primeros años de matrimonio organizara su vida permitiendo que se consagrara a la literatura, se intoxicó más adelante con bromuro de potasio y las relaciones se deterioraron, lo que ocasionó un cierto número de separaciones. Sobre su esposa, O'Neill se quejaba de que no sabía cocinar, y aseguraba que lo único que ésta sabía hacer era pan de maíz con chile.

En 1943 O'Neill desautorizó a su hija Oona, fruto de su segundo matrimonio con Agnes Bolton, por haberse casado el 16 de junio de 1943 con el cineasta Charles Chaplin cuando ella sólo contaba con 17 años y él tenía 54. Nunca la volvió a ver. A pesar de la diferencia de edad, tuvieron ocho hijos, entre ellos la conocida actriz Geraldine Chaplin.

También se tensaron las relaciones con sus hijos Eugene O'Neill Jr., un especialista en Letras Clásicas de Yale, alcohólico que se suicidó en 1950 a los 40 años, y Shane O'Neill, adicto a la heroína, que también se suicidó.

Sus últimos años de vida

Tras haber padecido numerosos problemas de salud (entre ellos el alcoholismo) durante muchos años, O'Neill padeció también en sus últimos años la enfermedad de Parkinson, lo que le ocasionaba temblores en las manos que le impidieron escribir en sus diez últimos años de vida. Trató de dictar, pero le resultaba imposible escribir de ese modo.

O'Neill murió en un estadio avanzado de la enfermedad de Parkinson en la habitación 401 del hotel Sheraton de Boston, el 27 de noviembre de 1953, a los 65 años. El edificio ahora se ha transformado en un dormitorio del Shelton Hall de la universidad de Boston. Fue enterrado en el Forest Hills Cemetery en Jamaica Plain, Massachusetts.

A pesar de que sus instrucciones escritas estipulaban que sus obras no debían publicarse hasta 25 años después de su muerte, en 1956 Carlotta ordenó su obra maestra autobiográfica, Largo viaje hacia la noche sobre un día de la vida de una familia problemática, para que se publicara, lo que ocasionó la inmediata aclamación de la crítica y que hoy se considera su obra más completa. Otras obras publicadas póstumamente fueron Un toque de poeta (1958) y Más mansiones majestuosas en 1967. Con parte del dinero generado por estas obras y siguiendo disposiciones testamentarias del propio O'Neill, quien deseaba mostrar su agradecimiento al país que le había concedido el Premio Nóbel, se instituyó el Premio O’Neill, que es otorgado cada año por el Teatro Real Dramático (conocido como Dramaten) de Suecia.

Galardones

1920 : Premio Pulitzer por Más allá del horizonte
1920 : Premio Pulitzer por Anna Christie 1928 : Premio Pulitzer por Extraño interludio.
1936 : Premio Nobel de Literatura
1957 : Premio Pulitzer por Largo viaje hacia la noche.

Obras

Sed y otras obras en un acto, 1914
Rumbo al Este hacia Cardiff (Bound East for Cardiff), 1916
Luna de los caribes, 1918
El emperador Jones (The Emperor Jones), 1920
Más allá del horizonte (Beyond the Horizon), 1920
Anna Christie, 1921
El mono peludo (The Hairy Ape), 1922
The Fountain, 1923
Todos los hijos de dios tienen alas, 1924
Deseo bajo los olmos (Desire Under the Elms), 1924
Lázaro reía (Lazarus Laughed), 1926
El gran dios Brown (The Great God Brown), 1926
Extraño interludio (Strange Interlude), 1927
Marco Millions 1928
Dinamo (Dynamo), 1929
A Electra le sienta bien el luto (Mourning Becomes Electra), 1931
Tierras vírgenes (Ah, Wilderness!), 1932
Días sin fin (Days Without End), 1934
Llega el hombre de hielo (The Iceman Cometh), escrita en 1939, estreno en 1946
Largo viaje hacia la noche (Long Day's Journey Into Night, escrita en 1941, estreno en 1956
Una luna para el bastardo (A Moon for the Misbegotten), 1943
Un toque de poeta (A Touch of the Poet), escrita en 1942, estreno en 1958
Más mansiones majestuosas (More Stately Mansions), segundo borrador encontrado entre los papeles de O'Neill, estreno en 1967
The Calms of Capricorn, publicado en 1983

Fuente: Wikipedia

CREPÚSCULO OTOÑAL, FRIEDRICH DÜRRENMATT

MARÍA RENÉE BATLLE


ARGUMENTO

El señor Korbes era un famoso escritor de libros sobre crímenes. Lo visita Hofer, un señor quien había gastado todos sus ahorros por seguirle la pista. Descubre que todos los temas que escoge Korbes para escribir, son basados en su propia experiencia criminal. Este descubrimiento lo lleva a hacerle una propuesta chantajista y es que por su silencio deberá pagarle una suma de dinero que lo resarcirá de los gastos de su investigación y le permitirá vivir olgadamente. No cuenta con la sagacidad ni los talentos de Korbes. Le cunde el pánico por los argumentos cínicos y persuasivos de el señor Korbes y loco de terror, se arroja por el balcón y muere.

COMENTARIOS PERSONALES

Obra de mucho ingenio. Ambos personajes, tanto Korbes como Hofer, son personas sin virtud. El señor Korbes se valía de sus experiencias criminalistas, para poder llegarle a la humanidad y sembrar el éxito con sus escritos. “La verdadera literatura tiene que satisfacer a la humanidad” (frases de Korbes). “La literatura se ha transformado en una droga que sustituye una vida que ya no puede existir”. Creía que sus escándalos serían resarcidos y perdonados por sus atributos como escritos, que suscitan emociones en sus lectores. Se creía impune, más allá del bien y del mal.

Hofer es muy bueno en la la investigación. Se subyuga por los escritos de Korbes y con su mente indagatoria, decide seguirle la huella. Sus sospechas se ven confirmadas cuando averigua que en efecto, Korbes utiliza sus crímenes para sus propias historias. Aquí vé una razón para hacerse rico, no importándole el tiempo que invierta en desenmascararlo, ni los esfuerzos y dinero que le lleven hacia la meta. Es un hombre sin escrúpulos.

Pareciera que el ingenio de Hofer lo llevará triunfante hacia sus ambiciones, pero no cuenta con la habilidad lingüística ni argumentista de Korbes y de este modo, su vida se vé rota y coartada. Al entrar en pánico, decide que el suicidio es su mejor salida. Pareciera como la leyenda del alacrán que se pica a sí mismo con su propia cola, se llena de veneno y muere.

Es una obra muy corta, con muy pocos personajes. Los principales son Korbes y Hofer, que desarrollan casi la trama completa. Los demás cumplen sus requisitos, pero son complementarios. Korbes y Hofer son dos personajes que se interpelan contínuamente el uno al otro. El personaje de Korbes aparece relajado y sin tensión, a pesar de la situación tan crítica a la que se vé expuesto. La riqueza de la obra estriba en el buen discurso y una temática que suscita interés y curiosidad.

BIOGRAFÍA Y OBRAS DE FRIEDRICH DÜRRENMATT

(Konolfingen, 1921 - Neuchâtel, 1990) Dramaturgo y narrador suizo en lengua alemana, que fue además artista plástico. Hijo de un pastor protestante, estudió teología y filosofía en Berna y Zurich. Empezó trabajando como dibujante, grafista y crítico de teatro. "Escribo conociendo lo absurdo de este mundo, pero sin desesperar", dijo como comentario a sus comedias satíricas e inconvencionalmente moralistas en las que a menudo, se mezcla lo cruel con lo grotesco y que lo convirtieron en uno de los dramaturgos más significativos de la segunda mitad del siglo XX.

Inició su escritura teatral con Está escrito (1947), sobre los anabaptistas; El ciego (1948); Rómulo el Grande (1949), sobre la >caída del Imperio Romano y la inutilidad de lo heroico; El matrimonio del señor Mississippi (1952), comedia satírica y paródica que trata la imposibilidad de cambiar la naturaleza humana; Un ángel en Babilonia (1954), en la que un ángel lleva a Babilonia, como regalo del cielo, a una joven que ha de pertenecer al más pobre de los mendigos, pero todos rechazan hacerse mendigos por esa joven; Hércules y la cuadra de Augias (1954).

En La visita de la vieja dama (1956), "una comedia trágica", los habitantes de una población empobrecida ven la posibilidad de enriquecerse mediante el asesinato de uno de sus conciudadanos, de quien la vieja dama, que fue su amor juvenil, trata de vengarse. La futura víctima adquiere grandeza trágica en la aceptación de su culpa. En 1964, Bernard Wicki convirtió el drama en una película con el título de La visita del rencor y Gottfried von Einem hizo sobre esta obra una ópera (1971, Der Besuch del alten Dame.

Los físicos (1962) presenta a un científico genial que se oculta, fingiéndose loco en un manicomio, a fin de proteger al mundo de las consecuencias de sus descubrimientos. Otros dos físicos, agentes de sistemas políticos opuestos que debían secuestrarlo, deciden renunciar fingiéndose locos, a las consecuencias de la investigación. Pero la directora del manicomio se ha apropiado de los resultados de las investigaciones y los ha vendido al mejor postor.

Cabe mencionar otras obras teatrales como Frank V, El meteoro (1966), Los anabaptistas, El rey Juan, Play Strindberg (1969) y Tito Andrónico. De la prosa narrativa de Dürrenmatt destacan las novelas La promesa, Griego busca griega (1955) y la policíaca El juez y su verdugo (1952). Además de versiones propias de dramas, entre otros de W. Shakespeare y J. A. Strindberg, escribió también numerosas piezas radiofónicas y textos sobre teoría teatral.

CASA DE MUÑECAS, HENRIC IBSEN

MARÍA RENÉE BATLLE

LILLUSION

ARGUMENTO

Nora es la protagonista de la obra. Está casada con Torvaldo Helmer desde hace ocho años. Su marido es abogado y próximamente director de un banco. Tienen tres hijos. Nora y Helmer tienen felicidad conyugal aparente. Ella es alegre y juguetona. Su marido constantemente la nombra con nombres tales como “alondra” y “ardilla”. Cuando Krogstad aparece en el escenario, la felicidad de Nora parece evaporarse. En el pasado, Nora le había firmado un pagaré para recaudar una cantidad de dinero que usaría para combatir una enfermedad pasada de Helmer.

Ella en aquél entonces y sin darse cuenta de las graves repercusiones, falsifica la firma de su padre, quien se suponía sería el deudor. En el momento actual, Krogstad amenaza a Nora –valiéndose del pagaré que aún conserva- para presionarla a que convenza a su marido para que no lo sustituya en el trabajo del banco. Después de este episodio, Nora comienza a inquietarse y a volverse una mujer más seria y preocupada. Cristina, una amiga de la infancia de Nora, es confidente de Nora. Esta le cuenta a su amiga toda la verdad sobre su matrimonio, que en realidad ella se hace pasar por una tonta porque así le gusta a su marido. Le cuenta además que constantemente le pide dinero al marido porque necesita pagar una deuda que se originó cuando necesitaban irse de vacaciones a Italia por razones de salud de Torvaldo, que este préstamo lo consiguió ilegalmente y que por lo tanto debe mantenérselo oculto al marido o de lo contario, este se enojaría mucho.

Helmer se entera sobre la verdad de su esposa y la trata de muy mal modo, lo cual culmina con la huida de Nora de su casa. El la llama hipócrita, impostora, criminal, y no se da cuenta del error que está cometiendo. Nora despierta a otra realidad. Se da cuenta de que su marido nunca la ha amado por sí misma, y que le importa mucho más su vida perfecta, las apariencias. Decide irse para poder educarse a sí misma y encontrar su propia verdad. Cuando Helmer se da cuenta de los hechos, no logra ni con los mejores argumentos, disuadir a su esposa para quedarse.

COMENTARIOS PERSONALES

El personaje de Nora es el más interesante de analizar. Tiene dos facetas: su imagen infantil que es contínuamente estimulada por el comportamiento de su marido y la de mujer seria, madura, con carácter, que al final de la obra toma las riendas de su vida sin miramientos y sin temores.

Por ser Nora un personaje femenino, causó gran revuelo en la época en la que se escribió. En ese tiempo, salirse de los cánones sociales y lo que el marido dictara era considerado una afrenta. Se dice que por esta razón la obra tuvo tanta fama. El carácter de Helmer es el típico que imperaba en la sociedad machista de la época. Hombre que infantiliza el carácter de su esposa y que además la hace sentirse incapacitada para cualquier actividad que no fuera la crianza de los hijos.

Nora acepta por un tiempo este papel pasivo, creyendo que el amor de su marido es incondicional. Sólo al darse cuenta de tal mentira, ella es capaz de madurar de golpe y de cambiar su vida por la de una mujer adulta.

Siendo el nudo de la obra una situación típica de personajes (el prestamista, el mejor amigo de la familia, la mejor amiga de ella y el matrimonio protagonista), lo importante de “Casa de muñecas” sin embargo, se produce en el tercer acto cuando Helmer descubre que su esposa, falsificando la firma de su padre y engañándolo a él, había recurrido a un hombre despreciable para conseguir el dinero. Su reacción es de rechazo absoluto, ignorando los años de matrimonio, los hijos en común y la razón por la que su esposa pidió ese préstamo. Decide que él debe ante todo salvaguardar su honor, su nuevo y prestigioso puesto al frente de una empresa y que nadie debe enterarse de que su mujer es una delincuente, según él. Le prohíbe educar a sus hijos, pretende alejarse de ella para no mezclarse con su mala idea y restringirle todo lo que hasta ese momento los convertía en una pareja feliz.Es en ese momento cuando los acontecimientos dan un giro inesperado. Las pruebas del hecho delictivo de Nora desaparecen del mismo modo que llegaron, volviendo la actitud de Helmer a ser la de amantísimo esposo.

Pero Nora ya no quiere ocupar su puesto de alegre cónyuge. Se da cuenta de que su marido no iba a dar la cara por ella en ningún momento y eso le hace tomar la decisión de abandonarlo. Para una obra de finales del siglo XIX (se publicó en 1879) el hecho de que una mujer deje a su esposo e hijos porque no se siente bien tratada constituía un acto de rebeldía intolerable. El “portazo” de Nora, como así se ha considerado a lo largo de los años, significó una fuerte revolución para los tradicionales postulados europeos.

Para su estreno en Alemania, Ibsen tuvo que cambiar el final de la obra debido a las críticas y en muchos otros países incluso fue vetado el libreto. La polémica es de lo más actual aunque hoy nadie acusaría a Nora de atentar contra los fundamentos de la familia por su separación matrimonial. Ella se consideraba una mujer utilizada, anulada permanentemente por su marido y que se engañaba a sí misma para simular una casita de muñecas en la que interpretaba el papel que los hombres de su vida habían elegido para ella, primero su padre y luego su marido.

El hecho de abandonar a Helmer sólo significaba la necesidad de encontrar su verdadera identidad y su felicidad, algo que sin duda tenía que hacer en soledad. Su valiente arranque de sinceridad es aún hoy un ejemplo para muchas mujeres que no quieren a sus esposos pero no saben cómo decírselo o no se atreven a ello por miedo a las represalias sociales.

Muchas veces la solución está precisamente en desdramatizar la situación, en decirlo sin más, con el convencimiento de que , con el convencimiento de que se hace lo correcto y de que no se puede vivir una vida de mentira constantemente, tiñendo de alegría el vacío y la insatisfacción. No se puede obligar a querer; el amor, igual que el odio y la indiferencia, se gana con el tiempo.

BIOGRAFÍA Y OBRAS DE HENRIC IBSEN

(Cristianía, 1906 - Skien, 1828) Dramaturgo noruego, uno de los renovadores del teatro universal. Nació en una ciudad costera donde su padre poseía una destilería de aguardientes que quebró cuando él tenía seis años. Su madre era muy religiosa. A los quince años se fue a vivir a Grimstad, no lejos de su pueblo natal, donde su padre le había conseguido un puesto como ayudante de un farmacéutico. Sus contactos con la familia fueron, por el resto de su vida, esporádicos.

A los veinte años era ya un librepensador, entusiasmado con las insurrecciones populares que estallaban en toda Europa. En 1850 fue a estudiar a Cristianía (hoy Oslo). Noruega era por esa época un país regido políticamente por Suecia y culturalmente por Dinamarca. En 1853 aceptó el puesto de director y dramaturgo de un nuevo teatro en la ciudad de Bergen y cuatro años más tarde volvió a Cristianía para dirigir otro teatro que en 1862 cerró por problemas económicos.

Este fracaso marcó el comienzo de una nueva época en su vida. Cansado de lo que consideraba estrechez de miras de su país natal, partió a un exilio de veintisiete años por Italia y Alemania, período durante el cual escribió el grueso de su obra. Ya en el pináculo de su fama volvió a Noruega y en 1900 sufrió el primero de una serie de ataques de apoplejía, que afectaron su salud física y mental. Falleció en 1906 y fue enterrado con honores de jefe de Estado.

Como director del teatro de Bergen, Ibsen intentó crear un drama nacional, tarea difícil ya que si bien podía utilizarse como base el rico acervo de las sagas islandesas medievales, la escena de su país estaba dominada por la dramaturgia francesa de Scribe (que daba prioridad a lo ingenioso de la intriga sobre la profundidad de los personajes) y por el idioma y la tradición histriónica danesas.

La experiencia que ganó en Bergen tuvo para él un valor incalculable. Como director del teatro de Cristianía, ya casado con Suzannah Thoresen, exhibió una autoridad y confianza en sus propias ideas que antes no había mostrado. Esto se advierte en su drama Los pretendientes de la corona (1863), que forma parte de una serie de tema histórico y en el que, con reminiscencias shakespearianas y gran precisión psicológica, trata el tema de la dificultad del ser humano de encontrar su misión en la vida.

Con Brand (1866) y Peer Gynt (1867), dos dramas en verso, Ibsen hace su entrada en la literatura universal. Si Brand representa la toma de posición apasionada, los temas centrales de Peer Gynt son la duda, la ambigüedad, la huida al mundo de la fantasía. El predicador Brand es el idealista que lo sacrifica todo en aras de su misión. Sus exigencias tienen un carácter absoluto, no sabe de matices. El mensaje de la obra es, en cambio, más contradictorio. ¿Es Brand un mártir de la verdad o una víctima de sus propias exigencias inhumanas? Peer Gynt es en cambio una leyenda romántica, con rasgos realistas modernos, más audaz que Brand desde el punto de vista teatral. Su protagonista es una figura fáustica, a la vez un soñador romántico y un monstruo de egoísmo.

En el decenio de 1870 Ibsen abandona el teatro de ideas por el drama social realista. La primera obra de este período (y la primera que escribió en prosa) fue Las columnas de la sociedad (1877), que trata de los conflictos sociales y del choque de lo antiguo con lo nuevo. Pero el verdadero éxito le llegó con Casa de muñecas (1879), en la que por primera vez aparece la voz auténtica del autor.

La obra provocó escándalo, con su osada descripción de una mujer que deja su aparentemente idílico matrimonio a causa de su disconformidad con el rol subordinado que le toca desempeñar en él. Es una heroína fuerte e independiente en contraste con un marido débil y aferrado a su rol patriarcal. Pero su tema es también el efecto anquilosante de las convenciones sociales y la necesidad de rebelarse contra ellas a fin de alcanzar la realización personal. Esta obra no tiene un desarrollo cronológico como las anteriores, sino que trabaja con una técnica retrospectiva en la que el pasado va siendo revelando a medida que avanza la acción.

Un enemigo del pueblo (1882) describe la lucha de un individuo decidido a revelar la verdad aun cuando ésta amenaza la supervivencia de toda una ciudad y a pesar de que su porvenir y el de su familia están en juego. El tema de la honestidad reaparece en El pato salvaje (1884), pero se trata esta vez de una verdad despiadada, que destruye la vida de una familia. La verdad, parece decir ahora Ibsen, es una droga que mal administrada, tiene efectos letales. De los destinos de sus personajes, que son gente común y corriente, desprendió conclusiones de una sinceridad brutal, pero también de gran sutileza y, por momentos, de belleza poética, obligando a su público a cuestionar las bases morales de su existencia.

Durante la segunda parte del siglo XIX, su obra cambió el carácter del teatro europeo y lo convirtió, del divertimento a que había sido reducido, en lo que fuera para los griegos: un instrumento para examinar el alma. Otras obras suyas son Catilina (1850), La comedia del amor (1862), Emperador y Galileo (1873), La unión de la juventud (1869), Espectros (1881), La casa de Rosmer (1886), La dama del mar (1888), Hedda Gabler (1890), Juan Gabriel Borkman (1896), Despertaremos de nuestra muerte (1899).

LA CASA DE BERNARDA ALBA, FEDERICO GARCÍA LORCA

MARÍA RENÉE BATLLE

ARGUMENTO:


Bernarda Alba es madre de cinco hijas. Tras la muerte de su segundo marido, impone un luto riguroso de 8 años a toda la casa. Las hijas son solteras. Algunas de ellas están en edad casadera, pero la mayor es solterona y ninguna ha tenido contacto con el sexo opuesto.

Las sirvientas de la casa hablan del despotismo de Bernarda. Trata a sus hijas con imponencia, estrictez y dureza. La hija mayor hereda una gran fortuna del padre muerto y así atrae a su pretendiente Pepe el Romano, que sólo se ve atraído por su dinero.

Al no tener ningún contacto con hombres, comienza a haber rivalidad entre las cinco hermanas por el amor y atención de Pepe. Es Adela la pequeña quien obtiene su atención, pero otra de las hermanas también se ve seducida por él. Comienzan entonces las intrigas, los celos y las envidias.

Adela (quien ha tenido relaciones con él) es insubordinada y rebelde. Bernarda se da cuenta al final de la historia de todo lo que acontece y con el afán de poner orden, simula matar a Pepe con su rifle. Adela creyéndole muerto, se suicida. Así termina la obra y Bernarda en lugar de llorar su muerte, su preocupación mayor es que se insista en que murió virgen y en que se haga silencio.

COMENTARIOS PERSONALES:

En la obra sólo aparecen mujeres. Bernarda es uno de los personajes más fuertes de la obra. Es tirana, despótica y con un carácter que amilana a cualquiera. Tiene a sus cinco hijas en una sumisión aparente. Pareciera que dándose un carácter de altura moral superior, tratara de verse a sí misma como alguien que está por encima de los demás, dándole al puritanismo y al qué dirán mucho valor. A la hora de juzgar la conducta de los demás, es muy severa, crítica e insensible. En sus palabras “que mate la que pisotea la decencia”, sin saber que esto más tarde se le revertiría con su propia hija Adela: “Una hija que desobedece deja de ser hija para convertirse en una enemiga”

Su hija mayor Angustias de casi 40 años, desea casarse con Pepe más por salir de la tiranía de la madre. En ella no se vé gran pasión ni grandes esperanzas. Tiene un carácter bastante amargado. Magdalena y Amelia son las hijas más sumisas “nacer mujer es el mayor castigo” dice Amelia, “Y ni nuestros ojos siquiera nos pertenecen” dirá Magdalena; ambas obedecen a su madre y no parecen tener gran carácter.

Martirio está muy atraída por Pepe y sabiendo que Adela mantiene relaciones ocultas con él, se mantiene en constante vigilancia y rivalidad con la hermana pequeña . La más rebelde de las cinco es Adela quien desafía las normas morales y esto mismo la condena a su propia muerte.

Poncia la criada es una figura fuerte. Se atreve a decirle a Bernarda lo que piensa a pesar de que es una sirvienta, pero entiendo que con tantos años al servicio de la casa, es considerada como un miembro más de la familia, a pesar de que Bernarda siempre trata de denigrarla y ponerla en su lugar. Dado el carácter de Bernarda y el profundo silencio de la casa, la Poncia me pareció algo así como la voz de la conciencia y de la razón: “No pasa nada por fuera. Eso es verdad. Tus hijas están y viven como metidas en alacenas. Pero ni tú ni nadie puede vigilar por el interior de los pechos”.

La Criada no tiene demasiada fuerza en la obra, sin embargo oirla pronunciar palabras tales como “Bernarda cree que nadie puede con ella y no sabe la fuerza que tiene un hombre entre mujeres solas” nos da la pauta que también ella es partícipe de la autoridad sin límites de Bernarda y quizá advierte que en ella se esconde una tragedia.

El personaje de Pepe el Romano es ausente, a pesar de tener un rol muy determinanante en las interacciones y drama de la obra.

La obra me parece que tiene una gran vitalidad. Es de pocas palabras pero con ellas el autor logra un drama muy complejo dentro de la sencillez de una familia común y corriente regida por las costumbres de la época. En esta novela no aparecen los versos característicos de Lorca (salvo en un pedazo muy pequeño). Es obvio el matiz machista imperante de la época. Se ve reflejado en palabras tales como “hilo y aguja para las hembras, látigo y mula para el varón”.

BODAS DE SANGRE, FEDERICO GARCÍA LORCA

I. Obra estudiada

Federico García Lorca escribió Bodas de Sangre en el 1933, durante una etapa en la cual quiso alejarse de la poesía para acercarse a la realidad. De esta forma, podía reflejar el tedio y restricción de la vida en los Pueblos del Sur de España.

B. Época histórica a la que se hace referencia

En 1933, luego de un gobierno de coalición de partidos republicanos y socialistas, se celebran unas elecciones en las cuales triunfa la derecha. El país vive una época turbulenta de dilemas políticos y sociales. La creciente ola de violencia incluye la quema de iglesias.

C. Lugar dentro de la obra del autor

De su estadía en la huerta de San Vicente, surgió la inspiración de García Lorca para su triunvirato de obras trágicas centradas en la vida restringida de mujeres: La casa de Bernarda Alba, Yerma y Bodas de Sangre.

II. Análisis de la obra

A. Contenido 1. Título a) Función que cumple

El título de la obra anticipa el contenido de la misma, insinuando y resumiendo el asunto, ya que luego de la boda, efectivamente corrió la sangre. Además al oír el título, el lector se ve intrigado y atraído por su sensacionalismo.

b) Clasificación

El título Bodas de Sangre es simbólico, ya que representa el desenlace de la historia.

c) Relación con el contenido

El título se relaciona con el asunto de la obra, ya que resume los hechos.

2. Asunto

Bodas de Sangre cuenta la historia de un triángulo amoroso entre dos hombres y una mujer y las consecuencias de la decisión de abandonar a su novio luego de la boda para escapar con otro.

3. Argumento

La madre del novio habla con él sobre las los asesinatos de su esposo e hijo mayor. Debido a estas muertes, la madre odia todo tipo de armas, pero especialmente las navajas. Luego, conversan sobre el trabajo del novio en la viña y sobre sus deseos de casarse y quedan en ir a pedir la muchacha. Cuando el hijo se marcha, llega la vecina.

La madre tiene dudas sobre el carácter de la novia, así que inquiere sobre ella con la vecina, quien le informa que hace un tiempo tuvo una relación con Leonardo Félix, familiar de los hombres que asesinaron al marido y al hijo mayor de la madre.

La suegra de Leonardo y su mujer le cantan a su hijo. Cuando llega Leonardo, su mujer y suegra le hacen reclamos por su comportamiento extraño. Al surgir el tema de la boda de la novia los esposos discuten. Entonces llega una muchacha a contar que ha visto los regalos que el novio y la madre le compraron a la novia y Leonardo se marcha disgustado.

La madre y el novio van a pedir la mano de la novia. Una vez se han presentado los regalos, el padre habla de su interés por la unión de las tierras de ambas familias. La madre rememora las muertes trágicas, dice que no puede olvidarlo. Ambos padres desean tener muchos nietos; el padre quiere hombres para trabajar las tierras y la madre nietas para que la acompañen. Antes de irse, acuerdan la fecha de la boda. Más tarde, la criada le pide a la novia ver los regalos pero ella no accede. Entonces la criada le cuestiona a la novia si Leonardo la ha visitado pero ésta lo niega.

La criada prepara a la novia para la boda. Debido a su actitud, la criada le pregunta si no quiere casarse pero la novia dice que sí quiere. Se puede oír a los invitados acercándose.

Fuente: Carolene Fontanet Smith

BIOGRAFÍA Y OBRAS DE FEDERICO GARCÍA LORCA

Nació en:
Fuente Vaqueros (Granada) el 5 de junio de 189; Murió en: ibídem el 18 de agosto de 1936
Ocupación:
Poeta, dramaturgo y prosista.
Nacionalidad:
España
Periodo:
Siglo XX
Género:
Poesía

Federico García Lorca fue un poeta, dramaturgo y prosista español, también conocido por su destreza en las artes. Adscrito a la llamada generación del 27, es el poeta de mayor influencia y popularidad de la literatura española del siglo XX. Como dramaturgo, se le considera una de las cimas del teatro español del siglo XX, junto con Valle-Inclán y Buero Vallejo. Murió ejecutado tras el levantamiento militar en España por su afinidad al Frente Popular y por ser abiertamente homosexual.

Biografía

Nació en el en el seno de una familia de posición económica desahogada y fue bautizado con el nombre de Federico del Sagrado Corazón de Jesús García Lorca; su padre fue Federico García Rodríguez, un hacendado, y su madre Vicenta Lorca, maestra de escuela que fomentó el gusto literario a su hijo.

Desde la edad de 2 años, según uno de sus biógrafos, Edwin Honig, Federico García Lorca mostró su habilidad para aprender canciones populares y a muy tierna edad escenificaba en miniatura oficios religiosos. Su salud fue frágil y no empezó a andar hasta los cuatro años. Leyó en su casa la obra de Víctor Hugo y de Miguel de Cervantes.

Como estudiante fue algo irregular, abandonando la Facultad de Derecho de Granada para instalarse en la Residencia de Estudiantes de Madrid (1918–1928); pasado un tiempo regresó a la Universidad de Granada donde se graduó como abogado aunque nunca ejerció la profesión, puesto que su vocación era la literatura.

La ubicación meridional de Granada, donde se encontraba viva la herencia mora, el folclore, el oriente y una geografía agreste, quedaron impresas en toda su obra poética, donde los romanceros y la épica se funden de manera perceptible. Fue, después de su madre, Fernando de los Ríos, quien estimuló el talento del entonces pianista en favor de la poesía; así en 1917 escribió su primer artículo sobre José Zorrilla, en su aniversario.

La España de García Lorca es la heredera de la Generación del 98, con una rica vida intelectual donde los nombres de Francisco Giner de los Ríos, Benito Pérez Galdós, Miguel de Unamuno, y poco después Salvador de Madariaga y José Ortega y Gasset imprimían el sello distintivo de una rebelión contra la realidad de España.

Influyeron además, en la sensibilidad del poeta en formación Lope de Vega, Juan Ramón Jiménez, Antonio Machado, Manuel Machado, Ramón del Valle-Inclán, Azorín e, incluso, el Cancionero Popular.

Juventud y primeras obras

En 1918 publicó su primer libro Impresiones y paisajes, costeado por su padre. En 1920 se estrenó en teatro su obra El Maleficio de la Mariposa, en 1921 se publicó Libro de Poemas y en 1923, se pusieron en escena las comedias de títeres La Niña que riega la Albahaca y El Príncipe Preguntón. En 1927 en Barcelona, expuso su primera muestra pictórica.

En esta época frecuenta activamente a los poetas de su generación que permanecen en España: Jorge Guillén, Pedro Salinas, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Rafael Alberti y sobre todo Buñuel y Dalí, a quien después le tributó Oda a Salvador Dalí. El pintor, por su parte, pintó los decorados del primer drama del granadino: Mariana Pineda. En 1928 publicó la revista literaria Gallo, de la cual salieron solamente dos números.

En 1929 marcha a Nueva York. Para entonces se habían publicado, además de los antes mencionados, sus libros Canciones (1927) y el Primer Romancero Gitano (1928), siempre su obra poética más popular y más accesible. A García le molestaba mucho que el público lo viera como gitano.

Viaje a Nueva York

De su viaje y estancia en Nueva York surge el libro Poeta en Nueva York. En 1930 fue a La Habana, donde escribió parte de sus obras Así que pasen Cinco Años y El Público; ese año regresó a España donde fue recibido en Madrid con la noticia de que su farsa popular La Zapatera, se estaba escenificando.

La IIª República y «La barraca»

Al instaurarse la Segunda República española, se nombró a Fernando de los Ríos como Ministro de Instrucción Pública. García Lorca fue nombrado, bajo el patrocinio oficial, codirector de la compañía estatal de teatro «La barraca» donde disfrutó de todos los recursos para producir, dirigir, escribir, y adaptar algunas obras teatrales del Siglo de Oro español. Escribió en este período Bodas de Sangre, Yerma y Doña Rosita la Soltera.

En 1933 viajó a Argentina para promover la puesta en escena de algunas de sus obras por la compañía teatral de Lola Membrives y para dictar una serie de conferencias, siendo su estancia un éxito: a manera de ejemplo, su puesta de La Dama Boba de Lope de Vega atrajo a más de sesenta mil personas. Entre este año y 1936 escribió Diván de Tamarit, Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, que conmovió al mundo hispano, La casa de Bernarda Alba y trabajaba en La destrucción de Sodoma, cuando estalló la Guerra Civil española.

Guerra Civil y asesinato

García Lorca rehusó el exilio ofrecido por Colombia y México, cuyos embajadores previeron que el poeta pudiera ser víctima de un atentado debido a su función de funcionario de la República, pero Lorca rechazó las ofertas y se dirigió a su casa en Granada para pasar el verano.

En esos momentos políticos alguien le preguntó sobre su preferencia política y él manifestó que se sentía a su vez católico, comunista, anarquista, libertario, tradicionalista y monárquico; de hecho nunca se afilió a ninguna de las facciones políticas y jamás discriminó o se distanció de ninguno de sus amigos, por ninguna cuestión política, se sentía como él lo dijo en una entrevista al Sol de Madrid poco antes de su asesinato: íntegramente español.

"Yo soy español integral y me sería imposible vivir fuera de mis límites geográficos; pero odio al que es español por ser español nada más, yo soy hermano de todos y execro al hombre que se sacrifica por una idea nacionalista, abstracta, por el solo hecho de que ama a su patria con una venda en los ojos. El chino bueno está más cerca de mí que el español malo. Canto a España y la siento hasta la médula, pero antes que esto soy hombre del mundo y hermano de todos. Desde luego no creo en la frontera política".

Tras una denuncia anónima, el 16 de agosto de 1936 fue detenido en la casa de su amigo, el también poeta Luis Rosales, quien obtuvo la promesa de «las autoridades» nacionalistas de que sería puesto en libertad «si no existía denuncia en su contra». La orden de ejecución fue dada por el gobernador civil de Granada, José Valdés Guzmán, quien había ordenado al ex diputado de la CEDA, Ramón Ruiz Alonso, la detención del poeta. Valdés contaba con el visto bueno del general Queipo de Llano, a quien se consultó sobre qué hacer con García Lorca.

Las últimas investigaciones, como la de Manuel Titos Martínez, determinan que fue fusilado la madrugada del día 18 de agosto de 1936, seguramente por cuestiones territoriales, ya que algunos caciques, muy conservadores, tenían rencor al padre de Lorca porque era un cacique progresista. En una entrevista en el diario El Sol había declarado que «en Granada se agita la peor burguesía de España» y eso fue su sentencia de muerte. Federico García Lorca fue asesinado en el camino que va de Víznar a Alfacar y su cuerpo permanece todavía enterrado en una fosa común anónima en algún lugar de esos parajes con los cadáveres de dos banderilleros y un maestro nacional ejecutados con él.

Después de su muerte se publicaron Primeras Canciones, Amor de Don Perlimplín con Belisa en su Jardín.

Obra

El universo lorquiano se define por un palpable sistematismo: la poesía, el drama, la prosa se alimentan de obsesiones y claves estilísticas constantes. La variedad de formas y tonalidades nunca atenta contra esa unidad cuya cuestión central es la frustración.

Estilo

Los símbolos: de acuerdo con su gusto por los elementos tradicionales, Lorca utiliza frecuentemente símbolos en su poesía. Se refieren muy frecuentemente a la muerte aunque dependiendo del contexto los matices varían bastante. Son símbolos centrales en Lorca:

La luna: es el símbolo más frecuente en Lorca. Su significación más frecuente es la de muerte, pero también puede simbolizar el erotismo, la fecundidad, la esterilidad o la belleza.

El agua: cuando corre, es símbolo de vitalidad. Cuando está estancada, representa la muerte.
La sangre: representa la vida, por ello, la sangre derramada es la muerte. Simboliza también lo fecundo, lo sexual.

El caballo (y su jinete): está muy presente en toda su obra portando siempre valores de muerte, aunque también representa la vida y el erotismo masculinos.

Las hierbas: su valor dominantes, aunque no único, es el de ser símbolos de la muerte.

Los metales: también su valor dominante es la muerte. Los metales aparecen bajo la forma de armas blancas, que conllevan siempre tragedia.

La metáfora: es el procedimiento retórico central de su estilo. Bajo la influencia de Góngora, Lorca maneja metáforas muy arriesgadas: la distancia entre el término real y el imaginario es considerable. En ocasiones, usa directamente la metáfora pura. Sin embargo, a diferencia de Góngora, Lorca es un poeta conceptista, en el sentido que su poesía se caracteriza por una gran condensación expresiva y de contenidos, además de frecuentes elipsis. Las metáforas lorquianas relacionan elementos opuestos de la realidad, transmiten efectos sensoriales entremezclados, etc.

El neopopularismo: aunque Lorca asimila sin problemas las novedades literarias, su obra está plagada de elementos tradicionales, que por lo demás, demuestran su inmensa cultura literaria.

La música y los cantos tradicionales son presencias constantes en su poesía. No obstante, desde un punto de vista formal no es un poeta que muestre una gran variedad de formas tradicionales; sin embargo, profundiza en las constantes del espíritu tradicional de su tierra y de la gente: el desgarro amoroso, la valentía, la melancolía, la pasión.

Poesía

La obra poética de Lorca constituye una de las cimas de la poesía de la Generación del 27 y de toda la literatura española. La poesía lorquiana es el reflejo de un sentimiento trágico de la vida y está vinculada a distintos autores, tradiciones y corrientes literarias. En esta poesía conviven la tradición popular y la culta. Aunque es difícil establecer épocas en la poética de Lorca, algunos críticos diferencian dos etapas: una de juventud y otra de plenitud:

La época de juventud

Aquí se incluyen sus primeros escritos: Impresiones y Paisajes (en prosa, muestra sin embargo, sus procedimientos característicos del lenguaje poético) y Libro de Poemas (escrito bajo el influjo de Rubén Darío, Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez; en este poema García Lorca proyecta un amor sin esperanza, abocado a la tristeza.

La época de plenitud

Comienza con el Poema del Cante Jondo (1931) que, mediante la unidad temática, formal, conceptual y la expresión de los sentimientos, debida en parte a su inspiración folclórica, describe la lírica neopopularista de la Generación del 27.

En Primeras Canciones (1927) y Canciones (1936) emplea las mismas formas: la canción y el romance. Los temas del tiempo y la muerte se enmarcan en el alba, la noche, la ciudad andaluza y los paisajes lunares.

La muerte y la incompatibilidad moral del mundo gitano con la sociedad burguesa son los dos grandes temas del Romancero gitano. Destacan los procedimientos habituales de poesía de origen popular, y la influencia del compositor Manuel de Falla. No se trata de una obra folclórica, está basada en los tópicos con que se asocia lo gitano y andaluz. Lorca eleva al gitano al rango de mito literario, como después hará con El Negro y el Judío en Poeta en Nueva York. En El Romancero Gitano emplea el romance, en sus variantes de novelesco, lírico y dramático; su lenguaje es una fusión de lo popular y lo culto.

Lorca escribe Poeta en Nueva York a partir de su experiencia en EEUU, donde vivió entre 1929 y 1930. Para Lorca la civilización moderna y la naturaleza son incompatibles. Su visión de Nueva York es de pesadilla y desolación, propia de un mal sueño. Para expresar la angustia y ansia de comunicación que lo embargan emplea las imágenes visionarias del lenguaje surrealista. Su libertad expresiva es máxima, aunque junto al verso libre se advierte el uso del verso medido (octosílabo, endecasílabo y alejandrino).

El Diván de Tamarit (1940) es un libro de poemas de atmósfera o sabor oriental, inspirado en las colecciones de la antigua poesía arábigo-andaluza. El tema central es el de el amor sujeto a experiencias frustrantes y amargas; su lenguaje está muy próximo al de Poeta en Nueva York.

Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías (1935) es una elegía de incontenible dolor y emoción que actúa de homenaje al torero sevillano que tanto apoyó a los poetas de la Generación del 27.

La obra poética de García Lorca se cierra con Seis Poemas Gallegos y la serie de once poemas amorosos titulada Sonetos del Amor Oscuro. Lorca siempre ha contado con el respeto y admiración incondicional de los poetas de generaciones posteriores a la Guerra Civil. Considerado como un poeta maldito, su influencia se ha dejado sentir entre los poetas españoles del malditismo.

Impresiones y paisajes (1918)
Libro de poemas (1921)
Oda a Salvador Dalí (1926)
Romancero gitano (1928)
Poeta en Nueva York (1930)
Poema del cante jondo (1931)
Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1935)
Seis poemas gallegos (1935)
Diván del Tamarit (1936)
Sonetos del amor oscuro (1936)

Teatro

El teatro de García Lorca es con el de Valle-Inclán, el de mayor importancia escrito en castellano en el siglo XX. Es un teatro poético, en el sentido de girar en torno a símbolos medulares —la sangre, el cuchillo o la rosa—, desarrollarse en espacios míticos o de un realismo trascendido, y encarar problemas sustanciales del existir. El lenguaje, aprendido en Valle-Inclán, es también poético. Sobre Lorca influyen también el drama modernista (de aquí deriva el uso del verso), el teatro lopesco (evidente, por ejemplo, en el empleo organizado de la canción popular), el calderoniano (desmesura trágica, sentido de la alegoría) y la tradición de los títeres. La producción dramática de Lorca puede ser agrupada en cuatro conjuntos: farsas, comedias «irrepresentables» (según el autor), tragedias y dramas.

Entre las farsas, escritas entre 1921 y 1928, destacan La zapatera prodigiosa, en la que el ambiente andaluz sirve de soporte al conflicto, cervantino, entre imaginación y realidad, y Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín, complejo ritual de iniciación al amor, que anuncia los «dramas irrepresentables» de 1930 y 1931: El público y Así que pasen cinco años, sus dos obras más herméticas, son una indagación en el hecho del teatro, la revolución y la presunta homosexualidad —la primera— y una exploración —la segunda— en la persona humana y en el sentido del vivir.

Consciente del éxito de los dramas rurales poéticos, Lorca elabora las tragedias Bodas de sangre (1933) y Yerma (1934), conjugación de mito, poesía y sustancia real.

Los problemas humanos determinan los dramas. Así, el tema de la «solterona» española (Doña Rosita la soltera, 1935), o el de la represión de la mujer y la intolerancia en La casa de Bernarda Alba, para muchos, la obra maestra del autor.

Mariana Pineda (1927)
La zapatera prodigiosa (1930)
Retablillo de Don Cristóbal
El público (1930)
Así que pasen cinco años (1930)
Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín (1933)
Bodas de sangre (1933)
Yerma (1934)
Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores
La casa de Bernarda Alba (1936)
Comedia sin título (inacabada) (1936)

Filmografía

Basadas en la vida de Lorca: Lorca, El mar deja de moverse (2006), documental dirigido por Emilio Ruiz Barrachina.
La luz prodigiosa (2003), dirigida por Miguel Hermoso.
Lorca (1998), dirigida por Iñaki Elizalde.
Muerte en Granada (1997), dirigida por Marcos Zurinaga; Andy García da vida al poeta.
Lorca, muerte de un poeta (1987), serie de televisión dirigida por Juan Antonio Bardem.
Basadas en la obra de Lorca
1981 Bodas de Sangre de Carlos Saura
1982 La casa de Bernarda Alba de Mario Camus
1999 Yerma de Pilar Távora
1984 Proceso a Mariana Pineda de Rafael Moreno Alba, serie de TVE
1998 Viaje a la luna de Frederic Amat, cortometraje.

Fuente: Wikipedia